viernes, 31 de julio de 2015

TEATRO: LIGEROS DE EQUIPAJE

CONEXIÓN CON LOS CHICOS
La compañía Ligeros de equipaje están presentando sus obras Pegamundos y Carkalata, su directora Paula Sanchez, dialogó con Baldosas Flojas sobre la forma de la pensar las obras, el humor y lo sueños.

Despertando imaginación, a través de imágenes, palabras y canciones la Compañía ligeros de equipaje hace sus obras para chicos. Su directora, Paula Sanchez, dialogó con Baldosas Flojas sobre las obras que tienen en cartel en el teatro El Marechal, Leopoldo Marechal 1219, el sábado 1 y domingo 2 de Agosto a las 17hs, la forma de hacer teatro para chicos, la tecnología y el mensaje.

¿Cómo y por qué se formo la compañía ligeros de equipaje?
Se formo en el 2007. María José Colona, Valeria Zlachevsky y Paula Sanchez nos conocíamos en otras compañías, y era tanta la afinidad que teníamos a la hora de mirar y pensar el teatro, que decidimos seguir trabajando juntas. Así, en el 2008 nació nuestra primer obra: La flor Multicolor. Y en ese mismo año, se sumó al equipo Romina Pomponio, en la Producción ejecutiva y como jefa de prensa.
 ¿Hay una forma que tienen de llegar a los chicos?
Probablemente nuestra mejor manera de llegar es siendo honestas con nuestro trabajo, crear obras que nos apasionen a nosotras primero, y desde ahí, construir lenguajes, imágenes, canciones, poéticas.
Los chicos tienen derecho a la belleza, tanto o más que los adultos. 
Trabajamos desde ese lugar, y en plena conexión con ellos. 
 ¿Qué diferencias hay en llevar a cabo una obra para adultos y otra para chicos?
Para nosotras ninguna. El teatro es teatro, y lo que cambia a veces es la población a la que se dirige. Pero necesita de los mismos ingredientes.
 ¿De qué se trata Carkalata?
Dos inventoras muy particulares inventan una máquina que puede traer las estaciones del año en el momento que uno quiera. El problema comienza cuando en su afán de hacer inviernos más calurosos, otoños sin hojitas molestas en el piso, primaveras sin viento para que no desparrame el polen que nos hace estornudar, etc, no se dan cuenta las consecuencias que trae tanta manipulación.
La obra tiene mucho humor, y un sentido de la poética, absurdo y delirante, tal como lo es esa máquina.
 ¿Se palpa el humor de los chicos en las funciones o se cambia de acuerdo al humor de los espectadores?
La obra se hace entre los actores y los espectadores, especialmente cuando son niños, porque participan, opinan, intervienen, toman partido. Así que probablemente, aunque no lo pautemos, el humor se va definiendo también junto con ellos.
 ¿Qué sueños tiene la compañía?
Seguir haciendo el teatro que nos gusta.
 ¿Adónde les gustaría hacer una función de Carkalata que no hayan hecho aún?
¡En otros países! Sobre todo porque es una temática universal. 
 ¿ En qué ayuda y perjudica la tecnología en los chicos?
Ayuda a simplificar problemáticas de la vida cotidiana, y a acercar medios para comunicarnos, con más rapidez y probablemente, con mayor precisión.
Perjudica en la otra cara de lo que acabo de mencionar. A veces puede aislarlos, desconectarlos de la vida real, de la belleza del mundo que los rodea, y del encuentro con los otros.
 ¿Se puede generar pensamiento o ideas a través de una obra?  
Pensamiento, sensaciones, valores. El teatro, casi por el contrario que la tecnología, despierta al cuerpo, a la sensibilidad, a la imaginación.
Cuanto más vida virtual tengamos, mas necesitamos que el arte venga a hacer de lo suyo!



La compañía Ligeros de Equipaje presenta el Sábado  1/08 a las  17 hs  Carkalata en  Teatro El Marechal. Leopoldo Marechal  1219 y el domingo 2/08 - 17 hs  Pegamundos  también en el Teatro El Marechal.

miércoles, 22 de julio de 2015

MÚSICA: PERA DE GOMA

CRITERIOSOS Y CREATIVOS
Pera de Goma es una banda que mezcla ritmos latinoamericanos con eje en el rock y están presentando su disco debut que se llama Angiulino, antes de subirse al escenario de La Trastienda,  el sábado 25 de Julio a las 23hs, Balcarce 460, sus integrantes dialogaron con Baldosas Flojas sobre la idea de formar la agrupación, el público y la composición de las letras.

Cuando uno tiene dedicación las cosas llegan, a veces buscándolas y otros veces sin proponérselo se enmarca en proyectos que tenía ganas pero no lo esperaba. Así se formó Pera de Goma banda que fusiona varios estilos entre la cumbia, el rock y el candombe, actualmente  están presentando su disco debut que se llama Angiulino. Antes de tocar  en  La Trastienda, Balcarce el sábado 25 de Julio a las 23hs, sus integrantes dialogaron con Baldosas Flojas sobre la necesidad de armar la banda, la unión de los estilos, cómo llegaron a la placa y lo que transmite la música.
¿Cómo fue la idea de armar la banda?
No fue una idea en sí misma, fue un conjunto de casualidades y causalidades que desembocaron en el nacimiento de la banda. Muchos de nosotros venimos tocando juntos desde hace mucho años en distintos proyectos y las ganas de no querer bajarnos de los escenarios hicieron que armemos Pera de Goma.
¿Por qué la unión de la cumbia y el rock?
Todos escuchamos de todo y las influencias son muchísimas. Nuestra adolescencia fue marcada por la cumbia así como también lo fue por el rock. Todo eso logró, a nivel consciente e inconsciente también, que quisiéramos mezclarlos y jugar un poco con ello pero siempre intentando ser criteriosos y creativos.
A que creen que se debe  que la gente acepte esa fusión teniendo en cuenta que hace algunos años había guetos musicales.
Eso se debe a algo estrictamente social. La cumbia en los 90 traspasó muchos limites, sobre todo a nivel de estratos sociales. Antes era algo más marginal, hoy en día atraviesa todas las clases sociales y se disfruta en su totalidad. El rock, al menos en las últimas décadas, siempre estuvo ligado a todas las clases y hoy nos encontramos con la posibilidad de disfrutar ambos géneros y hasta de mezclarlos.
¿Cómo llegaron a Angiulino?
Fueron las ganas de mostrar nuestras canciones, lo que queremos transmitir, lo que somos. La idea desde un principio fue grabar el disco en un estudio que nos pueda dar las herramientas necesarias para estar a la altura de cualquier disco de bandas ya consagradas, en cuanto a su nivel y calidad sonora claro está. De ésta manera nos aseguramos, y gracias a nuestros técnicos de grabación, lograr un trabajo a la altura de lo que nosotros deseamos. Fue grabado en los Estudios Romaphonic y su resultado fue el esperado por todos nosotros. Quedamos muy contentos con nuestro primer disco de estudio. 
¿Adónde apuntan y que inspiración tienen a la hora de la composición de los temas?
Contar historias cotidianas simples de una manera directa pero poética también. La mayoría de los temas de Angiulino hace alusión a la ciudad de Buenos Aires, al barrio, al transporte público, a todos los días de la gente común. Encontrar historias lindas de imaginar o de contar dentro de ese marco que a veces puede ser muy negativo fue lo que intentamos con este disco
Si tuvieran que comparar Angiulino con una comida, un jugador de fútbol, una película, un color, un lugar, un libro, una canción. ¿Con qué lo harían?
Comida: Asado – Jugador de fútbol:  Eric Cantoná – Película: Gladiador – Color: no hay un solo color – Lugar: Río de Janeiro – Libro: La Promesa (Sacheri) -  Canción: Pera de Goma
¿Qué beneficios y prejuicios tienen la tecnología para las bandas?
Todo depende quien y como la use.
¿Se piensa en el espectador a la hora de pensar un show?
Por supuesto, son la razón por la cual uno se muestra en vivo en definitiva. Pero también nosotros pensamos el show de acuerdo al contexto y a lo que nosotros querríamos escuchar y ver. Es un mix en el cual el espectador se lleva el mayor porcentaje.
¿Creen que a través de un tema musical se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida de lo preestablecido?
La música es un idioma, como tal expresa y transmite. Siempre una canción cambia algo a alguien en algún lugar y desata infinidades de consecuencias, primero particulares y luego hasta pueden llegar a ser colectivas; por eso la música es universal y tan hermosa.


PERA DE GOMA SE PRESENTA EL SÁBADO 25 DE JULIO A LAS 23HS EN LA TRASTIENDA, BALCARCE 460.CAPITAL FEDERAL.

lunes, 20 de julio de 2015

MUESTRA FOTOGRÁFICA SPAZOKEFALIÁ DE LAILA VILANOVA

ROMPIENDO CABEZAS

Laila Vilanova, fotógrafa,  presenta su primera muestra individual llamada Spazokefaliá,  en donde indaga sobre los límites de una foto, el cruce de lenguajes y los mundos íntimos. Se puede visitar de miércoles a sábado de 16 a 20hs hasta el 1 de Agosto en Niceta, Niceto Vega 5067. Capital  Federal



Spazokefaliá viene del griego, Spazo: rompo / kefaliá: cabeza, dícese de algo que es de muy difícil solución. Ese es el nombre de la primera muestra individual fotográfica de Laila Vilanova en donde indaga sobre los límites de una foto, el cruce de lenguajes y los mundos íntimos.
Spazokefaliá es un rompecabezas. Algo que rompe. Una parte que sólo adquiere sentido a partir del diálogo con otras partes. Un experimento con fotografías gigantes para estirar los marcos y la frontera que implica un formato.
Sobre esta pieza inicial, una selección de más de 20 fotografías van armando el relato. Y no sólo está la pulsión por ir más allá del formato; sino más allá del soporte. Porque en una foto también se vislumbran sonidos; y en Spazokefaliá, Vilanova trabaja en una Instalación Sonora que termina de completar una historia con elementos biográficos e íntimos que están allí para compartir. Más allá de los límites.
Laila Vilanova Observó el sonido y escuchó lo que miraba, grabó, filmó, editó, mezcló música, y mezcló todo.
Laila Vilanova pasó por la UNLA y el IUNA. La atrapó una cámara de fotos. Miró, obturó, disparó, se mostró. Lentes, negativos, maestros e imágenes. La Escuela de Fotografía Creativa de Andy Goldstein la tituló fotógrafa profesional. Las luces y los escenarios de Botafogo, Carajo, Pedro Aznar, Luis Salinas, Blue Sessions, Djavan, Rosario Flores, Pez, Palito Ortega, el Pepsi Music, entre otros, le dieron los honores. Trabajó y estudió con Ananké Asseff, y profundizó su mirada junto a Guillermo Ueno. También aprende enseñando. Los eventos sociales le dieron un oficio y experiencia, y junto a Guadalupe Faraj coordinan su proyecto La Mas Mirada. Saca fotos. MIRA.

SPAZOKEFALIÁ SE PUEDE VISITRA HASTA EL 1º DE AGOSTO, DE MIÉRCOLES A SÁBADO DE 16 A 20 HS. EN NICETA, NICETO VEGA 5067.

martes, 14 de julio de 2015

MÚSICA: CORRENTADA

TRACCIONANDO PARA ADELANTE

Correntada banda de música de raíz
folcklorica está
presentando su tercer
disco que se llama
Posta, antes de subirse
al escenario del Centro
Cultural Matienzo,
Pringles 1249,  el
viernes 17 de Julio a las 21:30hs, su cantante y guitarrista, Pablo Cesario, dialogó con Baldosas Flojas de sus influencias, su estilo, el nuevo material y su inspiración a la hora de componer las letras.

Genuinos, defendiendo y luchando por la tierra, encontrando las ideas para mezclar y hacer interpretar su música, va Correntada banda que se formó en el 2005 con raíz folcklorica pero que tiene conceptos rockeros, su cantante y guitarrista, Pablo Cesario, charló con Baldosas Flojas sobre sus sueños,  su nuevo disco llamado Posta, el público y lo que puede generar una canción.
¿Cómo definirían a Correntada?
Correntada somos un grupo de folclore urbano. A pesar de sonar paradójica, esta definición encierra o compone las dos vertientes que conforman nuestra identidad: el folclore como el estilo musical que nos apasiona y nos convoca, con el cual nos “encontramos” y al cual elegimos y la ciudad y sus productos culturales como nuestro origen, nuestro “suelo” y también el ámbito primordial en el cual nos desenvolvemos y en el cual centramos nuestra actividad artística.  
¿Cuáles fueron sus influencias anteriores y cuáles las actuales?
Solo por mencionar algunas representativas de todos los integrantes del grupo: el “nuevo” folclore santiagueño (dúo Coplanacu, Horacio Banegas, Los carabajal); inagotable fuente de inspiración, en el camino más “vanguardista”: el “Cuchi” Leguizamón o Raúl Carnota. En especial cabe destacar entre nuestras influencias musicales y espirituales al gran Atahualpa Yupanqui. Por otra parte, somos deudores artísticos y grandes admiradores de figuras del rock nacional, especialmente Luis Alberto Spinetta y Charly García. Y, por supuesto, hemos sido influidos también por el rock internacional (Beatles, ThePolice, Red Hot ChilliPeppers). Por último, grupos como Arbolito, Bruno Arias u Orellana-Lucca están señalando un rumbo decididamente “mestizo” dentro del folclore y, de algún modo, nos acompañan en nuestra búsqueda personal.     
¿Qué recuerdos y sueños cumplidos tienen en estos 10 años de banda?
Recuerdos, innumerables (viajes, discos, presentaciones, amistades). Diez años es un tiempo muy largo en la vida de un grupo: poder estar tocando, produciendo, grabando, es decididamente un sueño realizado. Pero atención: es un sueño realizado a golpes de esfuerzo, dedicación y amor y todo esto consolida el sueño y a la vez lo vuelve a arrojar hacia adelante para seguir pariendo nuevas metas y objetivos. Nuestros sueños (incluso los ya realizados) son siempre “proyectivos”, siempre nos traccionan para adelante. 
¿De qué se trata Posta?
“Posta” nació como concepto a la vez que fue tomando forma el repertorio del disco. Una posta es un lugar en el cual descansar y aprovisionarse para proseguir, un alto en el camino donde reconfortarse y volver a arrancar renovado… y también, en un sentido más popular y “urbano”, se usa el término para señalar cuando algo es “auténtico”. Creemos que este disco soporta ambos sentidos del término: es un “punto de llegada”, en el sentido de, la consolidación de un estilo, pero también tenemos muchas expectativas de que el disco nos abra nuevas puertas, nos tienda nuevos caminos por los que continuar con la frescura y la alegría de haber logrado plasmar aquello que realmente somos en este momento y en esta etapa grupal.
¿Qué diferencias y similitudes tienen con los dos discos anteriores?
Hay una línea de continuidad entre los tres discos que tiene que ver con la búsqueda de un sonido y una lírica propios que reúnan la complejidad que nos habita por el lugar y el momento histórico en el que vivimos, por nuestra procedencia y por nuestras elecciones artísticas. No obstante, esta búsqueda se ha ido profundizando y consolidando. Consideramos que “Posta” es el disco en que dicha búsqueda queda plasmada de un modo más consciente y consistente.
Si tuvieran comparar Posta con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un momento, una película, un libro, etc.¿ Con qué lo harían?
Uff… es una pregunta divertida pero difícil. Yo lo compararía con un buen guiso: un guiso es una comida popular y sustanciosa que combina distintos elementos y que se puede adaptar fácilmente a distintos paladares, gustos y presupuestos. Pero sobre todo, es recomendable para el invierno (¡¡¡y nuestros disco sale en invierno!!!).    
¿Se puede incorporar el folklore a las jóvenes que se criaron con el rock?
Cuando yo era chico, escuchar folclore era considerado o bien “de viejo” o bien “de facho” o bien “de zurdo”, es decir, habría motes de todos los colores y sabores para estigmatizar al género y sus cultores. Hoy día considero que esta barrera está felizmente superada y que los jóvenes, de hecho, se acercan al folclore con mucha más naturalidad y de este modo le exigen (y nos exigen a los “folcloristas”) que seamos capaces de generar nuevos sentidos que cumplan con las expectativas de las nuevas generaciones.   
¿Creen que la fusión de estilos ayuda a abrir la cabeza musical en el público?
En general reniego de la frase “abrir la cabeza” porque suena a pontificar con la verdad revelada sobre alguien que desconoce o ignora algo que debería saber o practicar. Prefiero hablar de transformaciones que, por la lógica misma del devenir de la cultura se adecúan o no a las expectativas de determinado público que también van cambiando. Creo que la “fusión de estilos” tiene que ver con la dinámica propia de la cultura que se despliega en el tiempo, más que con una “estrategia” para imponer y popularizar un género o una estética. Creo que el artista lúcido debe “latir” al compás de las demandas de sentido artístico de su generación.
¿Adónde apuntan y en qué se inspiran las letras de las canciones?
Las fuentes de inspiración son múltiples y a veces se nos escapan, incluso, a nosotros mismos. No obstante, hay en la “letrística” de las canciones de Correntada algunos motivos recurrentes: personas y lugares significativos (músicos que nos han marcado, amigos del camino, lugares donde hemos descubierto algo fundamental para nuestra música); por supuesto el amor y el desamor es siempre un tópico favorito; Por otra parte, también aparece la ciudad y sus contrastes de brillo y oscuridad y por último, la problemática social a la cual, por supuesto, no solo no somos ajenos sino que elegimos intervenir activamente desde los lugares en los que estamos ubicados, desde los puestos que nos toca cubrir. Aparece también, un cierto “revisionismo” histórico (si se me permite el “abuso” del término) respecto del origen de nuestro folclore que tiene que ver con hacer “visibles” algunas situaciones deliberadamente “olvidadas”: su raíz afro y/o aborigen, a modo de ejemplo. 
¿Creen que a través de una canción puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida?
Insisto en lo difícil que me resulta pensar que alguien puede ser un “faro de iluminación” y mostrara otros otra forma de vida o de pensamiento o de sentimiento. Prefiero pensar, humildemente, que nuestras propuestas musicales y el mensaje que parimos -con los dolores de parto que son nuestros, así como la infinita alegría del nacimiento - encuentren algún oído y alguna cabeza atenta y acogedora donde anidar y fructificar… De lo que sí estoy profundamente convencido es de que a través del “encuentro” que promueve el arte popular pueden forjarse de manera colectiva y sin proponérselo explícitamente nuevos valores profundamente humanos y profundamente transformadores. A mi juicio, el arte no debe ser declamatorio sino, si se me permite el neologismo, “clamatorio”: el arte es ante todo un “clamor”. 


CORRENTADA SE PRESENTA EL VIERNES 17 DE JULIO EN EL CENTRO CULTURAL MATIENZO, PRINGLES 1249 A LAS 21:30HS

lunes, 13 de julio de 2015

LITERATURA: TALLER DE ESCRITURA INTENSIVO DE JADA SIRKIN

EL ARTE DEL RELATO

Jada Sirkin  dará un  taller de escritura intensivo los terceros sábados del mes en La Libre, Bolivar 646, a partir del 18 de Julio y trata sobre las imágenes de nuestra infancia. La escritora nos cuenta de que se trata la experiencia de trabajar con la materia prima real.
 
“La infancia me envía postales (…) A mí no me interesa lo que me ocultan los recuerdos, lo que puede haber atrás, sino la intensidad inolvidable de la imagen que se refleja en la memoria como una cicatriz. Lo que se ve no es el contenido del recuerdo, sino su forma.”Ricardo Piglia

Jada Sirkin directora de cine, y estudio letras en la universidad de Buenos Aires y desde chica que le gusta la escritura y editó varios libros , tiene como premisa dar  talleres de escritura creativa y a partir del 18 de Julio todos los terceros sábados del mes a las 15hs en, La Libre, Bolivar 646 dará uno sobre el arte del relato y cómo trabajar sobre los recuerdos de la infancia que es la materia prima real. La escritora cuenta de que se trata esa experiencia.

La materia prima personal, “real”, ya está interpretada, leída, filtrada, modelada: ya es, en ese sentido, “ficción”. O sea, la labor con el material personal es labor con las propias ficciones (construcciones), las propias mitologías.
Muchas veces (a quién no le pasó) recordamos más la fotografía que el momento en sí. Muchas veces recordamos el recuerdo de lo que pasó, lo que se elaboró y narró sobre el suceso, lo que se repitió a lo largo del tiempo, las palabras que se le imprimieron a los hechos. ¿No te pasa que contás algo y lo contás siempre igual?
Tenemos esta inclinación a fijar significados (o sentidos) para las experiencias. Sacamos conclusiones y creemos que las experiencias significan una sola cosa; y además nos olvidamos que sacamos esas conclusiones y que etiquetamos las experiencias. Así, dejamos de verlas cosas, y pasamos a reconocerlas, a ver sus etiquetas. Ya no vemos el mundo, sino nuestras opiniones sobre el mundo. O, a lo sumo, vemos el mundo a través del cristal de nuestras opiniones. Podemos pensar en el arte como el agua caliente que despega la etiqueta del frasco de vidrio, que devuelve la posibilidad de ver las cosas, de crearlas y recrearlas.
Un gesto (una mano levantada, por ejemplo) puede ser leído como “chau” o como “vamos”. Sobre los cimientos de esa elección, construímos una vida. Construímos nuestras vidas sobre los cimientos de las decisiones que tomamos acerca del significado de los gestos (vacíos) del mundo.
El arte nos permite reformular ese gesto, vaciarlo (limpiarlo) de los contenidos que le inyectamos, y liberarlo para que diga todo lo que quiera decir. El arte nos permite descontextualizar y recontextualizar para descubrir nuevas lecturas sobre las cosas; combinar y recombinar para multiplicar los sentidos.
Dejar a la obra hablar, que la obra pueda decir cosas que uno ni podría imaginar, como una criatura que cobra vida. Dejar que la obra me sorprenda, dejar al monstruo moverse y hablar. Más que usar a la obra para decir algo, usar el material para crear una obra que diga algo.
El arte del relato (la relación) me obliga a no cerrar los circuitos del sentido. Para relacionar (tejer), los hilos necesitan estar sueltos.
Como escritor de relatos, vivo los días con las antenas cazando retazos del mundo. La posibilidad de incluír cada acontecimiento (o sus fragmentos) como elemento de un relato (tejido) me lleva a la saludable práctica de desconfiar, sistemáticamente, de la realidad de los significados implantados en dichos acontecimientos. Pues la fijación de los sentidos (o significados) reduce las posibilidades de relacionar. En términos químicos, el átomo pierde la libertad de sus electrones para unirse a otros elementos. Valencia, dice el diccionario, identifica a la cifra que da cuenta de las posibilidades de combinación que tiene un átomo respecto a otros para lograr constituír un compuesto.
Por debajo de la red de emociones que sobrevienen como resultado de la inyección de significados en un acontecimiento, existiría otro tipo de emoción, la emoción pura, que es signo de la resonancia de todas las cosas con todas las cosas. Es esa emoción que no acepta el nombre de ninguna emoción, algo así como la emoción del existir.
Mi exploración, hoy, en relación al trabajo con el material “personal”, o “real”, tiene que ver con esta liberación de los elementos, la liberación de la materia prima. Más que reproducir las emociones asociadas a las experiencias de la vida, busco de alguna manera desarmar los vínculos obligados entre las experiencias y sus emociones para que, liberados los elementos de la responsabilidad de narrar, puedan, en la superficie del texto, crear nuevas emociones -emocioes que podríamos llamar movimientos artísticos.
Es indescriptible la sorpresa –la emoción estética- que produce el sacar un elemento de contexto y hacerlo colisionar con otros elementos y entrar en otros contextos. El texto, como textura o red, se vuelve un campo infinito de posibilidades. La ficción deviene un jardín en que todo puede entrar en contacto con todo. En la ficción, la realidad vuela.
En principio la operación parece caótica. Y hay algo de caótico en la primera sacudida que implica arrancar un recuerdo, por ejemplo, de su contexto significante. Pero luego el trabajo de artesano consiste, como el del doctor Frankenstein, en tejer, y a veces dejar que solos se tejan, los retazos, y entre ellos los infinitos posibles sentidos.
A veces creemos que imaginar es crear cosas nuevas. Tal vez imaginar se trate, más bien, de crear nuevas relaciones entre las cosas. El sólo acto de dudar del significado de nuestras experiencias de vida –acto que en sí parece pedir cierto coraje- debilita las conexiones significantes automatizadas, y permite la resignificación creativa, la asociación ilícita, el juego poético promiscuo, el descontrol semántico, la sorpresa cognitiva, el delirio perceptivo, la fiesta del arte.


El taller de escritura intensivo todos los terceros sábados de cada mes. 18 de julio y 15 de agosto a las 15 hs, en La libre Bolívar 646 (San Telmo). Contacto: dandembira@gmail.com

viernes, 10 de julio de 2015

MÚSICA: CAMUS

PASIÓN POR LA MÚSICA

CAMUS está
presentando su primer disco que se llama Mandragora el sábado 11 de Julio en el Roxy Live, Niceto Vega 5542, con entrada gratuita. Sus integrantes
dialogaron con Baldosas Flojas sobre la necesidad de formar la banda, cómo surgió la placa y la inspiración que tienen al componer las letras.

Se puede hacer muchas cosas en la vida, rutinarias, por
necesidad, por ideas propias pero las que verdaderamente satisfacen y dejan la marca son la que
se hacen con Pasión.  CAMUS siente eso por la música y lo
demuestra en su disco debut que se llama Mandrágora, antes que se suban al escenario del Roxy Live, Niceto Vega 5542, el sábado 11 de Julio a las 23:45hs, sus integrantes dialogaron con Baldosas Flojas sobre sus influencias, la tecnología el público y lo que puede generar una canción.
 ¿Por qué la necesidad de formar Camus?
CAMUS se formo por la pasión de nosotros 4 por hacer música, que lógicamente empezó por la pasión de nosotros 4 por escucharla.
 ¿Cuáles fueron y son sus influencias?
 Las influencias de los 4 integrantes son muy diversas, nos encanta en Blues, el rockabilly, el hard rock, la música clasica, y muchos géneros más.
Creo que las influencias que se ven en la música que hacemos pasan por bandas como Led Zeppelin, Audioslave, Deep purple, Black Sabbath , El Reloj etc.  Que son en gran parte bandas que escuchamos cuando descubrimos la música   y bandas con las que aprendimos a tocar y que hoy en día nos siguen fascinando.
¿De qué se trata y cómo llegaron a Mandragora?
Mandragora no es un disco conceptual, nosotros solemos referirnos a él como una colección de canciones de CAMUS.  Cuando lo grabamos, no teníamos planeado grabarlo en ese momento. El productor Sirso Iseas nos propuso Producirnos y grabarnos un disco en su estudio Triada y era un oportunidad única que no podíamos dejar pasar, pero por tiempos tenia que ser YA.  El disco no tuvo ningún tipo de pre producción,  ni nada por el estilo, de hecho solo teníamos 9 temas a la hora de grabar,  por eso incluimos un Cover de Pappo, que hacíamos en vivo, “ Algo ha cambiado “ y tuvimos la dicha de componer 2 temas en el estudio de grabación y grabarlos la semana siguiente.
Si tuvieran que comparar Mandrágora con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un momento, una película, un libro, etc. ¿Con qué lo harían?
 Es una pregunta muy difícil! Creo que lo compararía con un buen asado con achuras. A mi punto de vista, y es muy difícil dar una visión objetiva de la música que hace uno mismo, creo que MANDRAGORA, tiene distintos tintes de un mismo genero,  lo que serian las achuras.  Creo que al ser un disco que se grabó de una manera rustica, sin planeamiento, es un asado término medio, con sangre, pero no crudo.
¿Adónde apuntan y en que se inspiraron a la hora de componer las letras de los temas?

Las letras están inspiradas en su mayoría por situaciones de la vida cotidiana, algunas son más profundas y otras tocan temas más banales. Creo que en el disco, hay letras con contenido social, letras de introspección y letras con las que cualquiera que viva en el 2015 se puede llegar a sentir identificado.
 ¿Se piensa en el público a la hora de pensar un show?
Sí, cuando vamos a lugar donde no nos conocen tratamos de planear cual es la lista mas adecuada para la situación, y muchísimas veces (la mayoría) la vamos cambiando durante el recital a medida que vemos como responde la gente.  
 ¿Con quién y en donde le gustaría tocar?
Creo que sería alucinante tocar en el Luna Park, nos encantaría  compartir escenario con Robert Plant o  Jack White o cualquiera de los artistas que alguna vez nos flashearon.  
¿En que favorece y en qué perjudica la tecnología?
A la hora de lo que es la “difusión” favorece en que con poco dinero, o sin dinero y con mucha dedicación uno tiene herramientas  para llegar a todo el mundo, pero a la vez se plantea que todos tienen acceso a esa herramienta,  asíque uno como publico se ve abrumado por la cantidad de ofertas, y encontrar algo que sea del agrado de uno se hace complicado, ya que no hay ningún tipo de filtro. 
 Creen que a través de una canción se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida.
Si, totalmente.  Hay muchísimas canciones que nos han abierto puertas a mundos distintos de los que vivimos todos los días.  Creo que un verdadero artista es el que es capas de mostrarte su mundo, o su mirada de las cosas. Creo que siempre que el arte se hace con honestidad uno puede ver el mundo através de los ojos del autor y entender que es lo que siente, y por que lo siente. 

CAMUS PRESENTA SU DISCO MANDRAGORA EL SÁBADO 11 DE JULIO A LAS 23:45HS EN EL ROXY LIVE, NICETO VEGA 5542, CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA.

martes, 7 de julio de 2015

MÚSICA. COLA DE PATO

GENERANDO ILUSIONES 
Cola de Pato está presentando su tercer disco que se llama Aprendiendo a Vivir y tiene como invitados a  Tete Iglesias de La Renga, Jorge y Carlos Cordone, Edmundo Rivero y Manu Quieto de La Mancha de Rolando, en charla con Baldosas Flojas , sus integrantes nos contaron  de que se trata y cómo se formo la banda, el nuevo trabajo, la inspiración de las letras y sus sueños.

Sintiendo los olores de la esperanza y del hacer ante cualquier adversidad va Cola de Pato, banda de La Matanza que está editando su tercer disco que se llama Aprendiendo a vivir, antes de subirse al escenario de Makena, Fitz Roy 1519,  el sábado  11 de Julio a las 21hs, sus integrantes hablaron con Baldosas Flojas sobre cómo llegaron a esta nueva placa,  los invitados de lujo que tienen, la importancia del público y lo que genera la música.
 ¿De qué se trata y cómo se formó Cola de Pato?
Cola de Pato se trata de una ilusión, un sueño de músico joven, un proyecto ambicioso para poder comunicar a través de la música y la palabra.
La banda en principio se formó con amigos del barrio allá por agosto del 2004, y luego algunos de sus integrantes fueron cambiando hasta llegar a la formación actual. Somos todos de la Matanza y llevamos esa bandera a todos los barrios amigos.
¿Cómo se llegó a Aprendiendo a Vivir?
"Aprendiendo a vivir" es el cierre de una trilogía basada en una leyenda inventada, de ciencia ficción pero con algunos hechos cotidianos y de la vida real, es el resumen de una historia ambientalista, épica y de mensajes a la población mundial, sobre el fin del planeta y sus cuidados.
Si tuvieran que comparar Aprendiendo a Vivir con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un momento, un libro, una película, un momento. ¿Con qué lo harían?
El color sería verde "esperanza" es el color del arte.
El jugador sería "Mascherano", guerrero ante cualquier adversidad.
Una comida sería "un costillar completo entre amigos"  es sinónimo de amistad.
Y un momento sería el maravilloso momento actual de la banda. 
¿Por qué y cómo fue tener a los invitados en el disco?
Con los invitados se fueron dando causalidades y casualidades a través de los 3 discos, y aprendiendo a vivir no fue una excepción, el Tete Iglesias de La Renga es un gran amigo y ya lo habíamos hablado, El Gordo Miyo fue el productor de las guitarras en el disco y lo invitamos a participar, El Manu Quieto es otro gran músico y persona que conozco hace mucho tiempo y dijimos que algún día íbamos a grabar juntos, y Los Hermanos Cordone, en el tango de Gardel, fue una propuesta del productor del disco Álvaro Villagra, al cual le estamos felizmente agradecidos. 
¿Qué diferencias y similitudes tiene este disco con los anteriores?
Los tres discos son concatenados en su historia, es una continuación del otro cada uno. Una trilogía de tres tomos que conforman una misma historia. Las diferencias son la madurez que fue obteniendo la banda a través de los años, generando una identidad propia con un sello particular indiscutido en la composición y concepción de los sonidos , producción y canciones.
Ahora un poco a la distancia ¿Qué le agregarían y le sacarían al disco?
No le sacaríamos nada, estamos muy conformes con el producto final, y le agregaríamos la página 17 , en donde está la ficha técnica que fue un error de imprenta y no la pusieron jajaj!
¿Adónde y en que se inspiran a la hora de componer las letras de los temas?
Historias, reales, inventadas , contadas de la vida cotidiana o basadas en lectura de  libros o cualquier tipo de texto que enriquezca la palabra y deje volar la mente de quien lo escucha
¿Se piensa en el público a la hora de pensar un show? ¿ Les interesa lo que piensa y lo que comentan sobre ustedes?
El público es uno de los motores que te alimenta a seguir construyendo el camino, se piensa en ellos a la hora de tomar decisiones de lugares donde tocar, para cuidar la seguridad de la gente y que las condiciones de los lugares sean óptimas, y lo que digan es irrelevante a la banda porque sabemos a dónde apuntamos, siempre van a hablar bien y mal, es un equilibrio justo de la vida...el bien y el mal...dios y satanás...el Singh  y el Chang.....Sandra y Celeste...
¿En que beneficia y perjudica la tecnología?
 La tecnología llegó para meterse en nuestras vidas y hogares y creo que realmente es una de las herramientas más importantes con la que pueden contar los artistas a la hora de difundir su arte....lo único malo es que hay demasiada oferta, y poca demanda.  A su vez adquirimos un arte visual, con la colaboración  de Fernando Niers, la cual creó un cambio en la imagen de la banda.
¿Cuáles son los sueños para la banda?
Uno de nuestros sueños está cumplido, es hacer música y que al menos haya uno del otro lado que le guste lo que haces.
El sueño final sería trascender en los medios masivos de comunicación para empezar a poder vivir de lo que amamos.  Vivir  de, con, y para la música. 
¿Creen que a través de un tema musical se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida?
 La música entra en el inconsciente colectivo, la música es sonido vibrado que genera sensaciones en las neuronas formando un registro único e irrepetible, seguramente a través de la música se puede generar consciencia de vida.... ojalá así sea...por mucho más rock...en un mundo mucho mejor...!


COLA DE PATO PRESENTA SU TERCER DISCO APRENDIENDO A VIVIR EL SÁBADO 11 DE JULIO A LAS 21HS EN MAKENA FITZ ROY 1519.

lunes, 6 de julio de 2015

TEATRO: INSTANTE 6

PARA DISFRUTAR EL MOMENTO
La obra instante 6  es un unipersonal que trata sobre un hombre que ve pasar el tiempo y lo que hizo con él, su actor, Migue Di Lemme, dialogó con Baldosas flojas sobre lo que pasa arriba del escenario los miércoles a las 21hs en el teatro Polonia, Fitz Roy 1477.

Se calcula que un instante transcurre en seis segundos, aproximadamente. ¿Somos capaces de recordar ese último instante? Una rueda desbarrancada de bicicleta gira sola, unas pocas gotas de agua en una cantimplora, una zapatilla, instrucciones que dejó indicadas… Un mapa que reconstruye la memoria de un hombre perdido. ¿Perdido??                                     Una crónica autobiográfica de un accidente. Los indicios, las huellas y el impulso por reconstruir ese instante.
La obra instante 6 cuenta sobre lo que recordamos y lo que hicimos en cada momento, su actor, Migue Di Lemme, dialogó con Baldosas Floja sobre cómo llevo la puesta en escena, las ventajas de los unipersonales, cómo se acerco al teatro y el público.
¿De qué se trata instante 6?
insTante 6"  trata acerca de una persona que aparece en un lugar donde hace cinco minutos no estaba y quiere volver a dónde estaba tratando de reconstruir el camino de vuelta mediante pistas, instrucciones que dejo escritas y recuerdos que van apareciendo. Es un viaje que va armándose con el fluir de la obra
¿Cómo y por qué llevaste a cabo está obra?
Al principio pensé en la obra como una persona que está de viaje en medio de la naturaleza y en algún momento se pierde, pero yo no sabía cómo llevar esto a cabo; escribí y escribí pero no lo lograba, entonces fue cuando me contacte con Claudia Quiroga para que haga la dramaturgia y me dirija. Entonces mediante improvisaciones y diarios de viajes míos más el trabajo de Claudia que da el formato a la obra llegamos a puerto. Quería hacer una obra acerca de viajar y esta obra es un viaje en sí, es cumplir un sueño.
La vida pasa en un instante ¿Se puede recordar?
La vida pasa en un insTante, es verdad y si se puede recordar; el tema es que el orden de los recuerdos a veces se altera y es más difícil armar una línea de tiempo compacta para ese recuerdo... qué es un poco lo que le pasa a este personaje que interpreto en la obra
¿Crees que el ser humano se da cuenta de disfrutar ese instante o la queja se apodera de su ser?
No es que nos olvidemos, y voy a hablar por mi; es difícil  vivir cada instante plenamente, te juro que me lo planteo y trato de hacerlo todo lo que puedo pero también esta vida te lleva a un ritmo que a veces se te paso el día volando. Yo lo mejor que puedo hacer es dar lo mejor que tengo a cada momento, donde hace falta..., pero así y todo es difícil!  A veces me quejo de esto y a veces fluyo en ese viaje; péndulo entre las dos variantes. Eso sí, cuando me noto quejándome freno y pienso en que puedo hacer al respecto. Enojarse es solo para un rato, más de un rato perder el tiempo...
¿Qué ventajas y desventajas tiene un unipersonal con respecto a tener compañeros?
Un unipersonal es un viaje único donde sabes que depende de vos porque no hay un compañero de quien esperar un pie o un momento para tomar aire porque le toca al otro llevar la escena; sos vos, ahí todo el tiempo, sumergiéndote en ese mundo que planteas para darle vida y que sea lo mejor que sucede en ese momento para mí y para los que lo están viendo
¿Se piensa en el público a la hora de la puesta en escena? ¿Se puede cambiar algo en otra función al ver la reacción de ellos?
No pienso en el público a la hora de hacer una puesta en escena pero en cierta forma sí lo tengo en cuenta: es importante contar una historia que más allá del modo en que la contas la gente la siga, la entienda y se enganche. Y todo el tiempo vamos ajustando cuestiones en la obra, eso la mantiene viva. A veces tiene que ver con devoluciones de ciertas personas del público lo que vamos cambiando y a veces no
Actor ¿se nace o se hace?. ¿Cómo te acercaste a la actuación?
Yo creo que actor se nace y también se hace, como todo. Se nace con un talento para algo, todos nacemos con un talento, el tema es descubrirlo y trabajarlo. Podes ser un gran actor, pero si no trabajas para mejorarte vas a quedar en una media cada vez más baja... Que se yo, Maradona llegaba primero a los entrenamientos y se iba ultimo porque se quedaba dale y dale pateando tiros libres... O sea... se necesita hacer.
Yo me acerque al teatro por curiosidad; estaba en una época de mi vida donde no sabía qué hacer y el teatro, la literatura y el cine cada vez cobraban más importancia para mi, cada vez estaba más ávido de historias y hacer reales esas historias me llamaba la atención, así que fui a probar, y ni bien entre a escena supe que amaba eso, que era para mi
¿En qué beneficia la tecnología para el teatro?
En mucho, como toda tecnología bien usada; te suma armas a la hora de contar la historia. 
Crees que a través de una obra se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida
Obvio que se puede crear conciencia, para eso fue hecho y para eso se usa miles de veces. Si algo de lo que ves en el teatro te hace plantearte temas que tal vez nunca te planteaste y abre debate con vos mismo o con los que fueron con vos ver esa obra es genial: el teatro es contar historias, y si esas historias hacen resonar algo en el espectador el crear conciencia empieza a suceder

INSTANTE 6 SALE A ESCENA LOS MIERCOLES A LAS 21HS EN EL TEATRO POLONIA, FITZ ROY 1477.